En el pleno Renacimiento italiano sobresale con una fuerza excepcional la figura de Miguel Ángel Buonarroti, uno de los grandes genios de la historia del arte. Su trayectoria lo sitúa como un creador total, capaz de destacar en escultura, pintura, arquitectura e incluso poesía, aunque fue en la escultura donde alcanzó una dimensión casi insuperable. En su obra confluyen el ideal clásico, la tensión espiritual y una concepción profundamente intelectual del proceso artístico.
Formado en el ambiente florentino de fines del siglo XV, Miguel Ángel asimiló el influjo del neoplatonismo, corriente que entendía la materia como una realidad imperfecta y concedía primacía a la idea. Desde esta perspectiva, el escultor no imponía arbitrariamente una forma al mármol, sino que la descubría y la liberaba de la piedra. De ahí procede su visión de la escultura como un proceso casi espiritual, una suerte de revelación de la figura latente en la materia. Esta concepción ayuda a comprender dos rasgos fundamentales de su producción: la intensa energía interior de sus personajes, conocida como terribilitá, y la presencia, en algunas obras, del non finito, es decir, la apariencia deliberadamente inacabada que acentúa la lucha entre forma y materia.
Sus primeros pasos artísticos se desarrollaron en Florencia, donde ya dejó muestras de una extraordinaria capacidad técnica y expresiva. Entre sus obras juveniles destaca la Virgen de la escalera, relieve en el que se advierte su precoz dominio del volumen y su interés por la monumentalidad de las figuras. Poco después se trasladó a Roma, ciudad en la que realizó una de las grandes obras maestras de la escultura universal: la Piedad de San Pedro del Vaticano, ejecutada entre 1498 y 1500. En ella combinó idealización, perfección anatómica y una conmovedora serenidad, logrando una síntesis magistral entre belleza clásica y emoción religiosa.
De regreso a Florencia emprendió la ejecución del David, una de las imágenes más emblemáticas del Renacimiento. Tallado en un enorme bloque de mármol de Carrara que llevaba tiempo abandonado, el escultor convirtió una pieza considerada casi inutilizable en una obra maestra. La escultura representa al héroe bíblico antes del combate con Goliat, captando el instante de máxima concentración psicológica. Ese interés por el momento previo a la acción, cargado de tensión contenida, constituye uno de los rasgos más característicos de Miguel Ángel. Aunque la obra remite al clasicismo por su desnudo heroico y su ideal anatómico, introduce ya una potencia expresiva que supera la mera imitación de la Antigüedad.
En 1505, el papa Julio II lo llamó de nuevo a Roma para realizar su grandiosa tumba monumental, un proyecto ambicioso que, sin embargo, nunca llegó a culminarse tal como fue concebido. Aun así, de aquel encargo surgieron esculturas fundamentales para comprender su evolución, entre ellas el Moisés y los célebres Esclavos o Prisioneros. En estas figuras se aprecia con claridad la fuerza dramática de su lenguaje y, en algunos casos, el recurso del non finito, que intensifica la impresión de cuerpos que pugnan por emerger del mármol.
Otra de sus realizaciones esenciales son los sepulcros de los Médicis en la Sacristía Nueva de San Lorenzo, en Florencia. En este conjunto, Miguel Ángel integró escultura, arquitectura y pensamiento simbólico en una de las formulaciones más complejas del Renacimiento. Las tumbas de Giuliano de Médicis y Lorenzo de Médicis se acompañan de figuras alegóricas recostadas sobre los sarcófagos. Bajo Giuliano aparecen la Noche y el Día; bajo Lorenzo, la Aurora y el Crepúsculo. Más allá de su función decorativa, estas figuras encarnan una profunda reflexión sobre el tiempo, la fugacidad de la existencia y la dualidad entre vida activa y vida contemplativa, cuestiones muy vinculadas al ambiente neoplatónico florentino.
En la etapa final de su vida, Miguel Ángel volvió insistentemente sobre el tema de la Piedad, al que dotó de un sentido cada vez más interior y dramático. Obras como la Piedad florentina, la llamada Piedad Palestrina y, sobre todo, la Piedad Rondanini muestran una progresiva renuncia al ideal de perfección física en favor de una expresión espiritual más intensa y despojada. En estas esculturas tardías la forma se vuelve más austera, más esencial, como si el artista buscase ya no la belleza corporal, sino una verdad última sobre el sufrimiento, la redención y la trascendencia. Precisamente mientras trabajaba en la Piedad Rondanini le sorprendió la muerte en 1564.
La aportación de Miguel Ángel a la historia del arte resulta decisiva. Su obra llevó la escultura renacentista a su máxima tensión expresiva y abrió caminos que anunciarían el manierismo e incluso sensibilidades posteriores. En él, el equilibrio clásico heredado del Quattrocento se transforma en energía interior, monumentalidad y conflicto espiritual. Por ello, su figura constituye un eje imprescindible para comprender el arte del Renacimiento italiano y su influencia, así como una referencia fundamental para afrontar con solvencia el estudio del tema 60 en la preparación de oposiciones de secundaria de Geografía e Historia.